Κοιτάζοντας πίσω στη δυτική ιστορία, είναι απίστευτο πόσα είδη τεχνών είχαν αντίκτυπο στην κοινωνία. Ανιχνεύοντας τα χρονοδιαγράμματα των διαφορετικών κινημάτων τέχνης, μπορούμε να δούμε όχι μόνο πώς αναπτύχθηκε η σύγχρονη και σύγχρονη τέχνη, αλλά και πώς η τέχνη αντανακλούσε την εποχή της.
Για παράδειγμα, γνωρίζατε ότι ο ιμπρεσιονισμός κάποτε θεωρούνταν ένα υπόγειο, αμφιλεγόμενο κίνημα ή ότι ο Αφηρημένος Εξπρεσιονισμός σηματοδότησε τη μετατόπιση στον κόσμο της τέχνης από το Παρίσι στη Νέα Υόρκη; Σαν δομικά στοιχεία, αυτά τα διαφορετικά είδη τέχνης, από τον ρεαλισμό έως τη χυδαιότητα, είναι αλληλένδετα. Καθώς το δημιουργικό εκκρεμές ταλαντεύεται, τα στυλ τέχνης είναι συχνά μια αντίδραση ή φόρος τιμής στους προκατόχους τους. Ανατρέχοντας σε μερικά από τα πιο σημαντικά κινήματα τέχνης στην ιστορία, αποκτούμε μια πιο ξεκάθαρη εικόνα του πώς διάσημοι καλλιτέχνες όπως ο Βαν Γκογκ, ο Πικάσο και ο Γουόρχολ έφεραν επανάσταση στον κόσμο της τέχνης.
Αυτά τα 20 κινήματα εικαστικής τέχνης είναι απαραίτητα για την κατανόηση των διαφορετικών τύπων τέχνης που έχουν διαμορφώσει τη σύγχρονη ιστορία.
1, Ιταλική Αναγεννησιακή Τέχνη
Michelangelo, «David», 1501-1504
Από τον 14ο έως τον 17ο αιώνα, η Ιταλία γνώρισε μια άνευ προηγουμένου εποχή διαφωτισμού. Γνωστή ως Αναγέννηση – όρος που προέρχεται από την ιταλική λέξη Rinascimento ή «αναγέννηση» – αυτή η περίοδος είδε μια αυξημένη εστίαση σε πολιτιστικά θέματα όπως η τέχνη και η αρχιτεκτονική.
Ιταλοί καλλιτέχνες της Αναγέννησης, όπως ο Μικελάντζελο, ο Λεονάρντο ντα Βίντσι και ο Ραφαήλ, άντλησαν έμπνευση από την κλασική τέχνη της αρχαίας Ρώμης και της Ελλάδας, χρησιμοποιώντας αρχαία ενδιαφέροντα όπως η ισορροπία, ο νατουραλισμός και η προοπτική. Στην Ιταλία της Αναγέννησης, αυτή η αρχαία εμπνευσμένη προσέγγιση εκδηλώθηκε με την ανθρωπιστική προσωπογραφία, την ανατομικά σωστή γλυπτική και την αρμονική, συμμετρική αρχιτεκτονική.
Διάσημοι καλλιτέχνες: Leonardo da Vinci, Μιχαήλ Άγγελος, Ραφαήλ, Τιτσιάνο
Εμβληματικά έργα τέχνης: Η γέννηση της Αφροδίτης (1486) του Σάντρο Μποτιτσέλι, Ο Μυστικός Δείπνος του Λεονάρντο Ντα Βίντσι (1495-1498), Μόνα Λίζα (περίπου 1503-1506), Δαβίδ του Μιχαήλ Άγγελου (1501-1504), Σχολή Ραφαήλ Αθήνας 1509 1511)
2, μπαρόκ
Η αρπαγή της Σάντα Τερέζα του Μπερνίνι. 1647-1652. Εκκλησία Cornaro, Santa Maria Della Victoria
Στο τέλος της Αναγέννησης, η άνοδος του μπαρόκ κινήματος ήταν στην Ιταλία. Όπως το προηγούμενο είδος, η τέχνη του μπαρόκ επέδειξε καλλιτεχνικό ενδιαφέρον για τον ρεαλισμό και τα πλούσια χρώματα. Σε αντίθεση με την τέχνη και την αρχιτεκτονική της Αναγέννησης, ωστόσο, τα έργα του μπαρόκ έδιναν έμφαση στην υπερβολή.
Αυτή η χλιδή είναι εμφανής στη μπαρόκ ζωγραφική, γλυπτική και αρχιτεκτονική. Ζωγράφοι όπως ο Caravaggio παραπέμπουν στο δράμα μέσω της επεξεργασίας του φωτός και της απεικόνισης της κίνησης. Γλύπτες όπως ο Bernini πέτυχαν μια αίσθηση δράματος μέσα από δυναμικές σιλουέτες και περίπλοκες κουρτίνες. Οι αρχιτέκτονες σε όλη την Ευρώπη κοσμούν τα σχέδιά τους με περίπλοκα σκαλίσματα και μια ποικιλία από στολίδια, όπως επιβλητικές κολώνες.
Διάσημοι καλλιτέχνες: Caravaggio, Ρέμπραντ, Μπερνίνι
Εμβληματικά έργα τέχνης: The Call of St. Matthew by Caravaggio (1599-1600), The Night's Watch του Rembrandt (1642), The Rapture of St. Teresa (1647-1652) του Bernini
3, ροκοκό
Jean-Honoré Fragonard, The Swing, 1767
Ακολουθώντας την υπερβολή και τη δύναμη της τέχνης του μπαρόκ ήρθε το ανάλαφρο και επιπόλαιο κίνημα του Ροκοκό, το οποίο άκμασε στη Γαλλία του 18ου αιώνα πριν εξαπλωθεί σε άλλες ευρωπαϊκές χώρες. Ο όρος ροκοκό προέρχεται από το rocaille, μια μέθοδο διακόσμησης σπηλιών και σιντριβανιών κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης χρησιμοποιώντας βότσαλα, κοχύλια και τσιμέντο.
Στη δεκαετία του 1730, η διακόσμηση με rocaille ενέπνευσε τις κυλιόμενες καμπύλες σε διακοσμητικά έπιπλα και εσωτερική διακόσμηση. Στη ζωγραφική, αυτό το διακοσμητικό στυλ μεταφράζεται σε αγάπη για ιδιότροπες αφηγήσεις, σιωπηλά χρώματα και ρευστές μορφές.
Αξιοσημείωτοι καλλιτέχνες: Jean-Honoré Fragonard, Antoine Watteau, François Boucher
Iconic Artwork: The Swing του Jean-Honoré Fragonard (1767)
4, Νεοκλασικό
Ο όρκος του Οράτιου από τον Ζακ-Λουί Ντέιβιντ 1784–5
Ο νεοκλασικισμός ήταν ένα καλλιτεχνικό κίνημα του 18ου αιώνα βασισμένο στα ρωμαϊκά και αρχαία ελληνικά καλλιτεχνικά ιδεώδη. Εμπνεύστηκε εν μέρει από το ενδιαφέρον για την απλότητα και την αρμονία, μια αρνητική αντίδραση στην υπερβολικά επιπόλαιη αισθητική του διακοσμητικού στυλ ροκοκό. Οι ανακαλύψεις των ρωμαϊκών αρχαιολογικών πόλεων της Πομπηίας και του Herculaneum (1738 και 1748, αντίστοιχα) βοήθησαν να εμπνεύσει το πνεύμα του κινήματος.
Αξιοσημείωτοι καλλιτέχνες: Jacques-Louis David, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Antonio Canova
Εμβληματικά έργα τέχνης: Ο όρκος του Οράτιο του Ζακ-Λουί Νταβίντ (1784-1785), Ο Θάνατος του Σωκράτη του Ζακ-Λουί Νταβίντ (1787), Ο θάνατος του Μαρά του Ζακ-Λουί του Μεγάλου Δαβίδ (1793), Η Κυρία του Παλατιού του Ινγκρ ( 1814)
5, Ρομαντισμός
Ντελακρουά «Ελευθερία που οδηγεί τον λαό»
Ο ρομαντισμός είναι ένα πολιτιστικό κίνημα που εμφανίστηκε γύρω στο 1780. Πριν από την άνοδό του, ο νεοκλασικισμός κυριάρχησε στην ευρωπαϊκή τέχνη του 18ου αιώνα, που χαρακτηρίζεται από την εστίαση στα κλασικά θέματα, το ενδιαφέρον για την αισθητική λιτότητα και τις ιδέες που συνάδουν με τον Διαφωτισμό, μια πνευματική, φιλοσοφική και προσωπική λογοτεχνικό κίνημα.
Καλλιτέχνες όπως ο Eugène Delacroix βρήκαν έμπνευση στη φαντασία τους. Αυτή η ενδοσκοπική προσέγγιση έχει καθιερωθεί ως μια μορφή τέχνης που εξερευνά πρωτίστως το πνεύμα.
Αξιοσημείωτοι καλλιτέχνες: Joseph Mallord William Turner, Eugène Delacroix, Theodore Jericho, Francisco Goya
Εμβληματικά έργα τέχνης: Caspar David Friedrich, The Wanderer over the Sea of Fog (1818), Delacroix, Liberty Leading the People (1830)
6, Ρεαλιστική Τέχνη
Jean-François Millet, The Gleaners, 1857
Ο ρεαλισμός είναι μια σχολή τέχνης που ξεκίνησε στη Γαλλία μετά τη Γαλλική Επανάσταση το 1848. Σαφής απόρριψη του ρομαντισμού, του κυρίαρχου στυλ, οι ρεαλιστές ζωγράφοι εστίασαν σε σύγχρονους ανθρώπους και σκηνές της καθημερινής ζωής. Μετά από αιώνες ζωγράφων που απεικόνιζαν μυθικά και βιβλικά εξωτικά στοιχεία ή δημιουργούσαν πορτρέτα ευγενών και κληρικών, αυτό που φαίνεται φυσιολογικό τώρα είναι επαναστατικό.
Γάλλοι καλλιτέχνες όπως ο Gustave Courbet και ο Honoré Daumier, καθώς και διεθνείς καλλιτέχνες όπως ο James Abbott McNeill Whistler, επικεντρώνονται σε όλες τις κοινωνικές τάξεις στην τέχνη τους, δίνοντας για πρώτη φορά φωνή στα φτωχότερα μέλη της κοινωνίας και απεικονίζοντας τα κοινωνικά προβλήματα που προκαλούνται από Βιομηχανική επανάσταση. Η φωτογραφία είχε επίσης αντίκτυπο σε αυτή την τέχνη, ωθώντας τους ζωγράφους να δημιουργήσουν ρεαλιστικές αναπαραστάσεις σε ανταγωνισμό με αυτή τη νέα τεχνολογία.
Αξιοσημείωτοι καλλιτέχνες: Gustave Courbet, Jean-Baptiste-Camille Corot, Jean-François Miller, James McNeill Whistler
Εμβληματικά έργα τέχνης: The Gleaners (1857) του Jean-François Miller, Tomb of Ornans του Gustave Courbet (1849–1850)
7, Ιμπρεσιονισμός
Claude Monet, «Νούφαρα», 1906
Μπορεί να είναι δύσκολο να το πιστέψει κανείς, αλλά αυτό το πλέον εξαιρετικά δημοφιλές είδος τέχνης ήταν κάποτε ένα εγκαταλελειμμένο οπτικό κίνημα. Ξεφεύγοντας από τον ρεαλισμό, οι ιμπρεσιονιστές απομακρύνθηκαν από τις ρεαλιστικές αναπαραστάσεις υπέρ των ορατών πινελιών, των φωτεινών χρωμάτων με μικρή ανάμειξη και των ανοιχτών συνθέσεων για να συλλάβουν το συναίσθημα του φωτός και της κίνησης.
Ο ιμπρεσιονισμός ξεκίνησε όταν μια ομάδα Γάλλων καλλιτεχνών έσπασε την ακαδημαϊκή παράδοση ζωγραφίζοντας σε εξωτερικούς χώρους – μια συγκλονιστική απόφαση όταν οι περισσότεροι τοπιογράφοι εργάζονταν σε εσωτερικούς χώρους στα στούντιο τους.
Οι αρχικές ομάδες, συμπεριλαμβανομένων των Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley και Frederic Bazille, σχηματίστηκαν στη Γαλλία στις αρχές της δεκαετίας του 1860.
Μετά την απόρριψή τους από τα παραδοσιακά γαλλικά σαλόνια, περισσότεροι καλλιτέχνες θα ενταχθούν στις κοινωνίες τους για να δείξουν τη δουλειά τους, την οποία θεωρούν πολύ αμφιλεγόμενη για να δείξουν. Αυτή η πρωτότυπη underground έκθεση πραγματοποιήθηκε το 1874, καθιστώντας την δημοφιλή στο κοινό.
Αξιόλογοι καλλιτέχνες: Κλοντ Μονέ, Camille Pissarro, Ρενουάρ, Μαρί Κάσατ
Εμβληματικά έργα τέχνης: Monet's Impression, Sunrise (1872), Renoir's Ball at Moulin Rouge (1876), σειρά Monet's Water Lilies (1890-1900)
8, Μετα-ιμπρεσιονισμός
Vincent van Gogh, Η έναστρη νύχτα, 1889
Με καταγωγή πάλι από τη Γαλλία, αυτό το είδος τέχνης αναπτύχθηκε μεταξύ 1886 και 1905 ως απάντηση στο κίνημα των ιμπρεσιονιστών. Αυτή τη φορά, οι καλλιτέχνες ανταποκρίθηκαν στην ανάγκη για νατουραλιστικές απεικονίσεις φωτός και χρώματος στην ιμπρεσιονιστική τέχνη. Σε αντίθεση με τα προηγούμενα στυλ, ο μετα-ιμπρεσιονισμός περιλαμβάνει πολλά διαφορετικά είδη τέχνης, από τον πουαντιλισμό του Ζωρζ Σευρά έως τον συμβολισμό του Πωλ Γκωγκέν.
Οι καλλιτέχνες δεν ενώνονται με ένα ενιαίο στυλ, αλλά με τη συμπερίληψη αφηρημένων στοιχείων και συμβολικού περιεχομένου στη δουλειά τους. Ίσως ο πιο διάσημος μετα-ιμπρεσιονιστής ζωγράφος ήταν ο Βίνσεντ βαν Γκογκ, ο οποίος χρησιμοποίησε το χρώμα και τις πινελιές για να εκφράσει όχι τη συναισθηματική ποιότητα του τοπίου, αλλά τα δικά του συναισθήματα και την ψυχική του κατάσταση.
Αξιοσημείωτοι καλλιτέχνες: Georges Seurat, Βίνσεντ βαν Γκογκ, Πολ Σέζαν, Paul Gauguin, Εμίλ Μπερνάρ
Εμβληματικά έργα τέχνης: «Sunday Afternoon on the Isle of the Big Bowl» (1884-1886) του George Seurat, «Starry Night» του Vincent van Gogh (1889), «The Yellow Christ» (1891) του Paul Gauguin
9, Art Nouveau
Alphonse Mucha, The Four Seasons, 1897
Στα τέλη του 19ου αιώνα, ένα κίνημα «Art Nouveau» σάρωσε όλη την Ευρώπη. Χαρακτηριζόμενοι από το ενδιαφέρον τους για την επανερμηνεία της ομορφιάς της φύσης με στυλ, καλλιτέχνες από όλη την ήπειρο έχουν υιοθετήσει και προσαρμόσει αυτό το αβανγκάρντ στυλ. Ως αποτέλεσμα, υλοποιήθηκε σε επιμέρους κινήματα όπως η Απόσχιση της Βιέννης στην Αυστρία, ο Μοντερνισμός στην Ισπανία και κυρίως η Γαλλική Αρ Νουβό.
Το γαλλικό στυλ Art Nouveau αγκαλιάστηκε από καλλιτέχνες όλων των μέσων. Εκτός από τη ζωγραφική και τη γλυπτική, κατείχε εξέχουσα θέση και στις αρχιτεκτονικές και διακοσμητικές τέχνες της περιόδου. Ίσως η πιο διαρκής κληρονομιά του, ωστόσο, μπορεί να βρεθεί σε αφίσες – η εμπορική τέχνη που βοήθησε ο Τσέχος καλλιτέχνης Alphonse Mucha να αναδειχθεί σε μια σύγχρονη μορφή τέχνης.
Αξιόλογοι καλλιτέχνες: Άλφσονς Μούχα, Γκούσταβ Κλιμτ
Εμβληματικό έργο τέχνης: The Four Seasons του Alphonse Mucha, The Kiss του Gustav Klimt
10, Κυβισμός
Πάμπλο Πικάσο, Κυρίες της Αβινιόν, 1907
Ο κυβισμός ήταν ένα πραγματικά επαναστατικό στυλ τέχνης και ένα από τα σημαντικότερα καλλιτεχνικά κινήματα του 20ού αιώνα. Ο Πάμπλο Πικάσο και ο Ζορζ Μπρακ ανέπτυξαν τον κυβισμό στις αρχές του 1900 και ο κριτικός τέχνης Louis Vauxcelles επινόησε τον όρο το 1907 για να περιγράψει αυτούς τους καλλιτέχνες.
Καθ' όλη τη διάρκεια των δεκαετιών του 1910 και του 1920, οι δύο άνδρες —μαζί με άλλους καλλιτέχνες— θα χρησιμοποιούσαν γεωμετρικές φόρμες για να κατασκευάσουν τελικές αναπαραστάσεις. Σε αντίθεση με οποιοδήποτε προηγούμενο κίνημα τέχνης, τα αντικείμενα αναλύονται και αποσυναρμολογούνται, μόνο για να συναρμολογηθούν εκ νέου σε αφηρημένες μορφές.
Η μείωση των εικόνων στις μικρότερες δυνατές γραμμές και σχήματα είναι μέρος της αναζήτησης του κυβισμού για απλοποίηση. Η μινιμαλιστική εμφάνιση μπήκε επίσης στην παλέτα, με τον κυβισμό να χάνει τις σκιές και να χρησιμοποιεί περιορισμένους τόνους για να επιτύχει μια επίπεδη εμφάνιση.
Αυτό διαφέρει σημαντικά από την οπτική γωνία του χρήστη, που ήταν το πρότυπο από την Αναγέννηση. Ο κυβισμός άνοιξε την πόρτα σε μεταγενέστερα καλλιτεχνικά κινήματα όπως ο σουρεαλισμός και ο αφηρημένος εξπρεσιονισμός εγκαταλείποντας το προβλεπόμενο εγχειρίδιο κανόνων του καλλιτέχνη.
Αξιόλογοι καλλιτέχνες: Πικάσο, Ζορζ Μπρακ, Χουάν Γκρις
Εμβληματικό έργο τέχνης: Οι Κυρίες της Αβινιόν του Πάμπλο Πικάσο (1907)
11, Φουτουρισμός
Τζάκομο Μπάρα, «Η ενέργεια ενός σκύλου με λουρί» 1912
Οι μελλοντολόγοι των αρχών του 20ου αιώνα γοητεύτηκαν από τις νέες βιομηχανίες και ενθουσιάστηκαν με τις μελλοντικές εξελίξεις και είχαν μια θέση στην ιστορία. Αυτοί οι καλλιτέχνες μεγάλωσαν στην Ιταλία και εργάστηκαν ως ζωγράφοι, γλύπτες, γραφίστες, μουσικοί, αρχιτέκτονες και βιομηχανικοί σχεδιαστές.
Δεδομένου ότι τα πρώτα μανιφέστα δεν αφορούσαν άμεσα την καλλιτεχνική παραγωγή του φουτουρισμού, χρειάστηκε λίγος χρόνος για να αναπτυχθεί μια συνεκτική οπτική. Χαρακτηριστικό γνώρισμα της φουτουριστικής τέχνης είναι η απεικόνιση της ταχύτητας και της κίνησης. Συγκεκριμένα, τηρούν την αρχή του «καθολικού δυναμισμού», που σημαίνει ότι κανένα αντικείμενο δεν διαχωρίζεται από το φόντο του ή άλλο.
Αυτό αποδεικνύεται καλύτερα στο The Vitality of a Dog on a Leash του Giacomo Barra, όπου η δράση της βόλτας ενός σκύλου φαίνεται μέσω του πολλαπλασιασμού των ποδιών του σκύλου, του λουριού και των ποδιών του ιδιοκτήτη.
Αξιοσημείωτοι καλλιτέχνες: Giacomo Barra, Umberto Boccioni
Εμβληματικά έργα τέχνης: Τζάκομο Μπάρα, «Ο δυναμισμός ενός σκύλου με λουρί» (1912), «Μοναδικές μορφές χωρικής συνέχειας» του Ουμπέρτο Μποτσιόνι (1913)
12, Ντανταϊσμός
Marcel Duchamp, «Συντριβάνι», 1917
Το Dada ήταν ένα πρωτοποριακό κίνημα τέχνης (συχνά αναφέρεται ως κίνημα «αντι-τέχνη») του 20ου αιώνα, που γεννήθηκε από το ταραγμένο κοινωνικό τοπίο και την αναταραχή του Α' Παγκοσμίου Πολέμου. Ξεκίνησε ως μια ισχυρή αντίδραση και εξέγερση εναντίον η φρίκη του πολέμου και η υποκρισία και η βλακεία της αστικής κοινωνίας που οδήγησαν σε αυτόν.
Ανατρέποντας όλες τις πτυχές του δυτικού πολιτισμού (συμπεριλαμβανομένης της τέχνης του), τα ιδανικά του Νταντά απέρριψαν κάθε λογική, λογική, λογική και τάξη – όλα αυτά θεωρούνται η ραχοκοκαλιά της εξέλιξης και των προηγμένων κοινωνιών από την Εποχή του Διαφωτισμού.
Αξιοσημείωτοι καλλιτέχνες: Marcel Duchamp, Man Ray, Tristan Chara
Εμβληματικό έργο τέχνης: Marcel Duchamp's Fountain (1917)
13, Bauhaus
Η αφίσα του Joos Schmidt για το κίνημα Bauhaus, 1923
Από τη ζωγραφική και τα γραφικά μέχρι την αρχιτεκτονική και τη διακόσμηση εσωτερικών χώρων, η τέχνη του Bauhaus κυριάρχησε σε πολλά κανάλια ευρωπαϊκής πειραματικής τέχνης κατά τη διάρκεια των δεκαετιών του 1920 και του 1930. Παρόλο που συνδέεται στενά με τη Γερμανία, έχει προσελκύσει και έχει εμπνεύσει καλλιτέχνες κάθε καταγωγής.
Το Bauhaus - κυριολεκτικά «χτίζοντας ένα σπίτι» - έχει τις ρίζες του στη γερμανική σχολή τέχνης των αρχών του 20ου αιώνα. Ιδρύθηκε από τον Walter Gropius, το σχολείο εξελίχθηκε τελικά στο κίνημα της σύγχρονης τέχνης, που χαρακτηρίζεται από τη μοναδική του προσέγγιση στην αρχιτεκτονική και το design.
Αξιοσημείωτοι καλλιτέχνες: Wassily Kandinsky, Paul Klee, Jost Schmidt, Marcel Breuer
Εμβληματικά έργα τέχνης: Κίτρινο κόκκινο μπλε του Wassily Kandinsky (1925), Wassily Chair του Marcel Breuer (1925)
14, Art Deco
Tamara de Lempicka – Ψάθινο καπέλο © 2019 Tamara Heritage / ADAGP, Παρίσι / ARS, Νέα Υόρκη
Το Art Deco είναι ένα μοντερνιστικό κίνημα που εμφανίστηκε στην Ευρώπη τη δεκαετία του 1920. Ενώ πολλές διαφορετικές αισθητικές συνθέτουν το κίνημα – συμπεριλαμβανομένων διαφορετικών χρωματικών παλετών και μιας σειράς υλικών, από έβενο και ελεφαντόδοντο έως ξύλο και πλαστικό – χαρακτηρίζεται συνήθως από απλοποιημένα γεωμετρικά σχήματα, σε συνδυασμό με πλούσια διακόσμηση και γραμμική διακόσμηση σε έντονη αντίθεση.
Οι πίνακες ζωγραφικής που δημιουργούνται σε στυλ Art Deco έχουν συχνά τολμηρές φόρμες και πολυάσχολες συνθέσεις. Ορισμένα, όπως το έργο της πολωνικής καταγωγής ζωγράφου Tamara de Lempicka, απεικονίζουν δυναμικά πορτρέτα θεμάτων μόδας. Συχνά, οι φιγούρες είναι ντυμένες με έντονα χρώματα και τοποθετούνται σε αφηρημένες μητροπολιτικές τοποθεσίες.
Αξιόλογοι καλλιτέχνες: Tamara de Lempicka
Εμβληματικό έργο τέχνης: Tamara in a Green Bugatti (1929) της Tamara de Lempicka
15, Σουρεαλισμός
The Persistence of Memory του Σαλβαδόρ Νταλί. 1931. Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης, Νέα Υόρκη.
Ο ακριβής ορισμός του σουρεαλισμού μπορεί να είναι δύσκολο να κατανοηθεί, αλλά είναι σαφές ότι αυτό το άλλοτε πρωτοποριακό κίνημα έχει διατηρηθείσα δύναμη και παραμένει ένα από τα πιο προσιτά καλλιτεχνικά είδη ακόμα και σήμερα. Η φαντασία που εμπνέεται από το υποσυνείδητο είναι το χαρακτηριστικό γνώρισμα αυτού του είδους τέχνης, που ξεκίνησε τη δεκαετία του 1920. Το κίνημα ξεκίνησε όταν μια ομάδα εικαστικών καλλιτεχνών αγκάλιασε την αυτοματοποίηση, μια τεχνική που βασίζεται στο υποσυνείδητο για τη δημιουργικότητα.
Οι σουρεαλιστές χρησιμοποίησαν το κάλεσμα του καλλιτέχνη να απελευθερωθούν από τους περιορισμούς και να αποκτήσουν πλήρη δημιουργική ελευθερία, συχνά αμφισβητώντας τις έννοιες και την πραγματικότητα στο έργο τους. Μέρος του λόγου είναι η αντιπαράθεση ενός ρεαλιστικού στυλ ζωγραφικής με αντισυμβατικά, μη ρεαλιστικά θέματα.
Αξιοσημείωτοι καλλιτέχνες: Salvador Dali, Max Ernst, Rene Magritte
Εμβληματικά έργα τέχνης: Προδοσία εικόνων του Rene Magritte (1929), Persistence of Memory του Salvador Dali (1931)
16, Αφηρημένος Εξπρεσιονισμός
“Autumn Rhythm (No. 30)” του Jackson Pollock. 1950. Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη.
Ο Αφηρημένος Εξπρεσιονισμός ήταν ένα αμερικανικό καλλιτεχνικό κίνημα που ξεκίνησε μετά τον Β' Παγκόσμιο Πόλεμο – η πρώτη του έκρηξη σε διεθνή κλίμακα. Ενίσχυσε τη θέση της Νέας Υόρκης ως το νέο κέντρο του κόσμου της τέχνης, που παραδοσιακά εδρεύει στο Παρίσι.
Το είδος αναπτύχθηκε στις δεκαετίες του 1940 και του 1950, αν και ο όρος χρησιμοποιήθηκε επίσης για να περιγράψει τη δουλειά παλαιότερων καλλιτεχνών όπως ο Wassily Kandinsky. Αυτό το στυλ τέχνης παίρνει τον αυθορμητισμό του σουρεαλισμού και τον εμποτίζει με το παρατεταμένο σκοτεινό τραύμα της μεταπολεμικής περιόδου.
Ο Τζάκσον Πόλοκ ήταν ηγέτης στο κίνημα και οι πίνακές του με σταγόνες τόνιζαν την αυθόρμητη δημιουργία και εφαρμογή της χειρονομιακής ζωγραφικής που καθόριζε το είδος.
Ο όρος «Αφηρημένος Εξπρεσιονισμός», αν και συνδέεται στενά με το έργο του Πόλοκ, δεν περιορίζεται σε ένα συγκεκριμένο στυλ. Έργα τόσο διαφορετικά όσο οι εικονιστικοί πίνακες του Willem de Kooning και τα χρωματικά πεδία του Mark Rothko εμπίπτουν στην κατηγορία του Αφηρημένου Εξπρεσιονισμού.
Αξιοσημείωτοι καλλιτέχνες: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Clyfford Steele, Mark Rothko
Εμβληματικό έργο τέχνης: «Φθινοπωρινός Ρυθμός» του Τζάκσον Πόλοκ (Νο. 30)
17, Pop Art
Campbell's Soup Can του Andy Warhol
Η Pop Art εμφανίστηκε τη δεκαετία του 1950 ως ένα βασικό κίνημα που προανήγγειλε την αρχή της σύγχρονης τέχνης. Αυτό το μεταπολεμικό στυλ εμφανίστηκε στο Ηνωμένο Βασίλειο και τις ΗΠΑ, συμπεριλαμβανομένων εικόνων από διαφημίσεις, κόμικς και καθημερινά αντικείμενα. Η ποπ αρτ είναι συχνά ειρωνική, δίνοντας έμφαση στα κοινά στοιχεία των κοινών αγαθών και συχνά θεωρείται ως αντίδραση στα υποσυνείδητα στοιχεία του Αφηρημένου Εξπρεσιονισμού.
Το τολμηρό και ζωντανό έργο του Roy Lichtenstein είναι ένα εξαιρετικό παράδειγμα του τρόπου με τον οποίο η παρωδία και η ποπ κουλτούρα μπορούν να συνδυαστούν με καλές τέχνες για να κάνουν την τέχνη προσιτή. Η πιο διάσημη φιγούρα της Ποπ Αρτ, ο Άντι Γουόρχολ, βοήθησε στην ανάπτυξη της επαναστατικής ιδέας της τέχνης μαζικής παραγωγής, δημιουργώντας πολλές από τις δημοφιλείς σειρές εκτυπώσεων οθόνης.
Αξιοσημείωτοι καλλιτέχνες: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Jasper Johns
Εμβληματικό έργο τέχνης: Το Candy Soup Campbell του Andy Warhol (1962)
18, Άρθ. Εγκατάστασης
Το «Souls A Million Years Light Away» του Yayoi Kusama
Στα μέσα του 20ου αιώνα, Ευρωπαίοι και Αμερικανοί καλλιτέχνες της avant-garde άρχισαν να δημιουργούν τέχνη εγκατάστασης. Οι εγκαταστάσεις είναι τρισδιάστατες κατασκευές που αλληλεπιδρούν με το χώρο για να προσελκύσουν θεατές. Συχνά μεγάλης κλίμακας και ειδικά για τον τόπο, αυτά τα έργα τέχνης μεταμορφώνουν μουσεία, γκαλερί, ακόμη και υπαίθριους χώρους σε καθηλωτικά περιβάλλοντα.
Εμπνευσμένο από το Dadaist Readymade του Marcel Duchamp (μια σειρά έτοιμων αντικειμένων σε γλυπτική), αυτό το σημαντικό είδος πρωτοστάτησε από σύγχρονους δεξιοτέχνες όπως ο Yayoi Kusama και η Louise Bourgeois.
Στις μέρες μας, ο σύγχρονος καλλιτέχνης συνεχίζει την πρακτική του, δημιουργώντας πειραματικές εγκαταστάσεις χρησιμοποιώντας μέσα όπως σχοινί, χαρτί και λουλούδια.
Αξιοσημείωτοι καλλιτέχνες: Yayoi Kusama, Louise Bourgeois, Damien Hirst
Εμβληματικό έργο τέχνης: The Mirror Room του Yayoi Kusama
19, Ρεαλισμός
Χωρίς τίτλο από τον Igar Ozeri, 2012.
Ο ρεαλισμός είναι ένα καλλιτεχνικό στυλ που εστιάζει στην τεχνική ικανότητα να εντυπωσιάζει το κοινό. Ήταν κυρίως ένα αμερικανικό καλλιτεχνικό κίνημα που κέρδισε δυναμική στα τέλη της δεκαετίας του 1960 και του 1970 ως αντίδραση στον Αφηρημένο Εξπρεσιονισμό.
Εδώ, οι καλλιτέχνες ενδιαφέρονται κυρίως να αναπαράγουν μια φωτογραφία όσο καλύτερα μπορούν, να σχεδιάζουν προσεκτικά τη δουλειά τους και να αποφεύγουν τον αυθορμητισμό που είναι το χαρακτηριστικό του Αφηρημένου Εξπρεσιονισμού. Παρόμοια με την Pop Art, ο ρεαλισμός εστιάζει συνήθως σε εικόνες που σχετίζονται με την καταναλωτική κουλτούρα.
Ενώ ο πρώιμος ρεαλισμός ήταν βουτηγμένος στη νοσταλγία για τα αμερικανικά τοπία, πιο πρόσφατα, το ρεαλιστικό πορτραίτο έγινε πιο κοινό θέμα. Υπερρεαλισμός είναι η πρόοδος ενός καλλιτεχνικού στυλ στο οποίο η ζωγραφική και η γλυπτική εκτελούνται με τέτοιο τρόπο ώστε να προκαλούν μια αξιοσημείωτη συναισθηματική ανταπόκριση, φτάνοντας σε υψηλότερο επίπεδο ρεαλισμού λόγω των τεχνολογικών εξελίξεων. Ένα κοινό στοιχείο είναι ότι όλα τα έργα πρέπει να ξεκινούν από ένα φωτογραφικό σημείο αναφοράς.
Αξιοσημείωτοι καλλιτέχνες: Chuck Cross, Lal Goin, Igar Ozeri
Iconic Artwork: Untitled by Igar Ozeri
20, Τέχνη χαμηλών φρυδιών
Ενσάρκωση από τον Mark Lydon
Η τέχνη με χαμηλά φρύδια, γνωστή και ως Pop Surrealism, είναι ένα καλλιτεχνικό κίνημα που ξεκίνησε από την underground σκηνή της Καλιφόρνια τη δεκαετία του 1970. Παραδοσιακά αποκλεισμένη από τον κόσμο των καλών τεχνών, η τέχνη με χαμηλά φρύδια μετατοπίστηκε από τα ζωγραφισμένα έργα τέχνης στα παιχνίδια, την ψηφιακή τέχνη και τη γλυπτική.
Το είδος έχει επίσης ρίζες στα underground comics, την πανκ μουσική και την κουλτούρα του surf, με τους καλλιτέχνες να μην αναζητούν την έγκριση των mainstream γκαλερί. Συνδυάζοντας σουρεαλιστικές εικόνες με ποπ χρώμα ή φιγούρες, οι καλλιτέχνες πέτυχαν ονειρικά εφέ που συχνά ενσαρκώνονταν σε ερωτικά ή σατιρικά θέματα.
Η άνοδος των περιοδικών όπως το Juxtapoz και το Hi-Fructose παρείχε ένα φόρουμ για καλλιτέχνες με χαμηλά φρύδια για να παρουσιάσουν τη δουλειά τους έξω από τα κυρίαρχα μέσα σύγχρονης τέχνης.
Αξιοσημείωτοι καλλιτέχνες: Mark Lydon, Ray Caesar, Audrey Kawasaki
Εμβληματικό έργο τέχνης: «The Avatar» του Mark Ryden
Επιπλέον, η κινητική τέχνη που αντιπροσωπεύεται από το Victory Red του Alexander Calder είχε επίσης βαθύ αντίκτυπο στην ιστορία του ανθρώπινου οπτικού μετασχηματισμού.
Το φαινομενικά σύγχρονο κίνημα τέχνης είχε τις ρίζες του στον ιμπρεσιονισμό όταν οι καλλιτέχνες άρχισαν να προσπαθούν να εκφράσουν το κίνημα στην τέχνη τους. Στις αρχές του 1900, οι καλλιτέχνες άρχισαν να πειραματίζονται περαιτέρω με την κινητική τέχνη, προωθούμενη από γλυπτικές μηχανές και κινητά τηλέφωνα.
Οι Ρώσοι καλλιτέχνες Vladimir Tatlin και Alexander Rodchenko ήταν οι πρώτοι δημιουργοί του γλυπτικού κινητού τηλεφώνου, το οποίο τελειοποιήθηκε αργότερα από τον Alexander Calder.
Με σύγχρονους όρους, η κινητική τέχνη περιλαμβάνει γλυπτά και εγκαταστάσεις όπου η κίνηση είναι το κύριο μέλημα. Ο Αμερικανός καλλιτέχνης Anthony Howe είναι ηγετική φυσιογνωμία στο σύγχρονο κίνημα, χρησιμοποιώντας σχεδιασμό με τη βοήθεια υπολογιστή για τα μεγάλης κλίμακας ανεμογεννήτριά του.
Το TALMUD είναι μια κορυφαία εξατομικευμένη αναμνηστικά δώρα τέχνης προμηθευτής χονδρικής κατασκευής στην Κίνα, έχουμε μια εξαιρετική ομάδα για τη μελέτη παγκόσμιων διάσημων έργων ζωγραφικής και στυλ καλλιτεχνών, την εφαρμογή του πλούτου της τέχνης στην προσαρμογή των αναμνηστικών και την εξυπηρέτηση των πολύτιμων πελατών μας.